Standort UNS
Lieblingskünstler Bill Watterson, Nick Park
Software & Medien Photoshop, Procreate, Col-Erase-Stifte
Webseite
Ich arbeite seit etwa 2005 als Künstlerin und mir ist gerade aufgefallen, dass das fast 20 Jahre her ist. Ich wusste nicht, dass es schon so lange her ist! Mir war schon immer klar, dass ich meinen Lebensunterhalt mit Zeichnen verdienen und in irgendeiner Funktion im Animationsbereich arbeiten wollte, also habe ich Animation an der Universität in Dundee, Schottland, studiert. Ich hatte das Glück, ziemlich schnell nach meinem Abschluss mit der Arbeit beginnen zu können, aber mein erster Job war als Junior-2D-Künstler bei einem örtlichen Spieleunternehmen.
Ich hatte vorher nie darüber nachgedacht, an Spielen zu arbeiten, aber es machte absolut Sinn. Als Kind war ich besessen von charakterbasierten Videospielen wie Monkey Island und Day of the Tentacle!
Mein bisheriger Werdegang war recht abwechslungsreich. Ich neige dazu, mit dem Strom zu schwimmen und zu sehen, was passiert, und ihm von Zeit zu Zeit kleine Anstöße in bestimmte Richtungen zu geben. Ich habe in Videospielen gearbeitet, ich war zu Beginn meiner Karriere als Animator tätig, seit 2009 entwerfe ich als Freiberufler Charaktere und in letzter Zeit mache ich viel mehr Illustrationen. Ich mag es, es abwechslungsreich zu gestalten! Aber gleichzeitig ist alles, was ich tue, sehr charakterorientiert.
Während ich aufwuchs, habe ich ständig alle möglichen seltsamen Charaktere gezeichnet. Ich erinnere mich, dass ich in der High School dieses dumme Lied geschrieben, es aufgenommen, auf eine CD gebrannt und dann eine Figur als Sängerin für die Coverkunst geschaffen habe. Ich nannte ihn Jimmy Sausage; Er war im Grunde eine Mischung aus einem Würstchen und Jimi Hendrix – ich befand mich zu diesem Zeitpunkt gerade in einer Phase mit Nahrungsmitteln als Charakteren – und bei einem meiner Kumpel war es ein großer Erfolg. Ich denke, meine derzeitige Karriere als Charakterdesigner ist einfach aus dem Impuls heraus entstanden, alberne Charaktere zu erschaffen und sie zum Leben zu erwecken.
Mir war allerdings nicht klar, dass ich mit dem Zeichnen von Charakteren tatsächlich meinen Lebensunterhalt verdienen könnte, bis ich Stephen Silvers Werk entdeckte. Die Erkenntnis, dass es da draußen Künstler gibt, deren Aufgabe es ist, Charaktere zu entwerfen, war für mich eine Offenbarung. Vorher hatte ich kein bestimmtes Spezialgebiet im Sinn, aber als mir klar wurde, dass es möglich war, ein professioneller Charakterdesigner zu werden, ergab alles einen Sinn.
Die Rolle im Kinderfernsehen ist eher zufällig entstanden, ich habe sie überhaupt nicht weiterverfolgt. Aber ich denke, mein Stil passt gut zu diesem Medium, also haben sich diese Kunden zu mir hingezogen, und bevor ich mich versah, kam der Großteil meiner Arbeit aus dieser Welt!
Dafür habe ich Dan Bays zu danken. Er war damals bei der BBC an der Entwicklung von „Bitz & Bob“ beteiligt und wandte sich wegen der Charakterentwicklung an mich. Das war meine erste richtige Charakterdesign-Arbeit für das Kinderfernsehen, und von da an ging es wie im Schnee. Danke Dan!
Es gibt einige offensichtliche Dinge, die man mit Charakteren für ein jüngeres Publikum nicht machen kann: nichts Sexualisiertes, Nicht rauchen und trinken, Waffen usw. meiden, allerdings hängt dies vom Alter des Publikums ab. Beim Entwerfen für Erwachsene ist meiner Meinung nach im Rahmen des Zumutbaren so ziemlich alles möglich.
Aus reiner Designsicht wird das jüngere Publikum im Allgemeinen am besten auf bestimmte Designentscheidungen reagieren; niedlichere, weichere, farbenfrohere Charaktere, zum Beispiel mit größeren Köpfen. Sie scheinen der richtige Weg zu sein! Grundsätzlich denke ich, je jünger das Publikum, desto stilisierter können Sie Ihre Designs gestalten. fast bis zur reinen Abstraktion. Fast, aber nicht ganz.
Bei Erwachsenen möchte man in der Regel realistischere Charaktere entwerfen, die natürlichere Proportionen haben, obwohl sie dennoch stilisiert werden können. Aber das hängt wirklich von der Art der Geschichte ab, die erzählt wird. Und natürlich können Sie den Stil des jüngeren Publikums unterwandern und ihn für ein erwachsenes Publikum anpassen, normalerweise um einen komödiantischen Effekt zu erzielen. Shows wie „Happy Tree Friends“ und „South Park“ machen das gut.
Aber aus persönlicher Sicht denke ich, dass ich je nach Art des Jobs unterschiedliche Teile meiner Psyche anspreche. Wenn ich für Kinder entwerfe, kanalisiere ich auf jeden Fall mein inneres Kind, erinnere mich an meine Kindheit, an die Dinge, die ich als Kind gemacht habe, an die Dinge, die mich glücklich gemacht haben, und bringe all das in meine Arbeit ein. Wenn ich jemals Sachen für Erwachsene entwerfe und mich mit persönlichen Arbeiten beschäftige, die dunklere Themen haben und Energie, dann nutze ich die verschiedenen, dunkleren Erfahrungen aus meinem Leben und die Art und Weise, wie ich Willen zeichne spiegeln das wider.
Es macht Spaß! Chris Smith, der Autor, ist insofern großartig, als er immer eine klare Vorstellung davon hat, wie er sich seine Figuren vorstellt. Dann liegt es an mir, zu versuchen, das auf der Seite darzustellen und ihm gleichzeitig meine eigene Note zu verleihen.
Was mir gefällt, ist, dass ein Autor anscheinend hauptsächlich darauf bedacht ist, die Figur aus der Sicht der Geschichte zu finden, das hat etwas Reines. In Animationsfilmen hingegen gibt es oft die Stimme, die sagt: „Kann man diese Figur in den Massenmarkt bringen?“ Spielzeug?" Also ja, im Allgemeinen gibt es beim Entwerfen eines Buches weniger Einschränkungen oder Stimmen, denen man entgegenkommen muss Charakter. Beim Versuch, das richtige Design zu finden, kann es ein bisschen hin und her geben, aber nicht so viel wie bei Animationen.
Außerdem ist es befreiend, sich beim Entwerfen eines Buches keine Gedanken über technische Einschränkungen machen zu müssen. Sie müssen sich keine Gedanken darüber machen, ob die Figur animierbar ist oder wie lange das Modellieren und Rendern eines Entwurfs dauern wird, daher ist es in dieser Hinsicht wirklich recht erfrischend.
Im Grunde genommen habe ich letztes Jahr etwa fünf Mal gepostet oder so. Ich scheine ein Mann der Extreme zu sein. Also sagte ich dieses Jahr: „Gut, ich werde mehr posten!“ Ich wusste, wenn ich jede Woche eine Zeichnung anfertigen wollte, würde ich es vergessen, den Überblick verlieren und scheitern. Also habe ich alles gegeben und mir vorgenommen, jeden Tag eine Zeichnung zu machen, damit man es weniger leicht vergisst.
Ich wollte wirklich jeden Tag etwas zeichnen, nur für mich und niemanden sonst; Keine Kunden geben mir Feedback oder bitten um Änderungen. Meine Zeichnung, meine Regeln. Es ist wichtig, außerhalb der Arbeit kreative Möglichkeiten zu haben und einfach nur zum Spaß zu zeichnen.
Dadurch habe ich gelernt, ein bisschen loszulassen und kein Perfektionist zu sein. Ich weiß, dass ich nicht jeden Tag meine besten Arbeiten veröffentliche. An manchen Tagen habe ich buchstäblich nur 30 Sekunden Zeit, um etwas zu zeichnen. Aber mir wurde klar, dass ich mir den Druck nehmen musste, um immer großartige Kunst zu machen. Ich würde viel lieber etwas zeichnen als nichts! Es ist auch eine großartige Möglichkeit, zu experimentieren und zu versuchen, neue Stile in meine Arbeit zu integrieren. Und ich glaube, allein durch das tägliche Zeichnen habe ich begonnen, meine Arbeit auch in kleinen Dingen zu verbessern.
Jedes Mal, wenn ich durch Instagram scrolle, sehe ich einen Charakter, der mich denken lässt, von so vielen verschiedenen Künstlern! Die Charaktere von James Woods haben normalerweise diese Wirkung auf mich.
Ich liebe einige der Drachendesigns aus „Drachenzähmen leicht gemacht“, besonders das „Bewilderbeast“. Ich bin ein Fan der Arbeit von Nico Marlet. Und ich liebe auch das Design von Gromit von Wallace und Gromit. Er ist so einfach und doch so liebenswert und liebenswert und voller Leben.
Außerdem gibt es im Internet ein Konzeptkunstwerk des Geisterpiraten LeChuck von Monkey Island, das ich liebe. Ich glaube nicht, dass das Konzept genau auf die Videospiele übertragen wurde, aber es ist so cool; die Formen, die Proportionen, der auf dem Kopf stehende tote Vogel, der als Gefieder in seinem Piratenhut diente. LeChuck ist der Grund, warum ich so viele Piratenzombies zeichne.
Nun, es gab noch nie so viele Möglichkeiten, Charaktere für den Lebensunterhalt zu entwerfen, wie jetzt. Dennoch halte ich es für wichtig, über vielfältige Fähigkeiten zu verfügen, da nicht alle meine Arbeiten reines Charakterdesign sind. Ich mache Illustrationen, Requisitendesign, Comics und alles, was ich tun muss, um meine Rechnungen zu bezahlen.
Daher würde ich empfehlen, Ihre Fähigkeiten auszubauen, insbesondere zu Beginn Ihrer Karriere. Seien Sie auf eine lange, harte Arbeit vorbereitet und beginnen Sie damit, Ihren Traumjob nicht zu erledigen. Alles ist ein Sprungbrett und gibt Ihnen die Erfahrung, auf die Sie im weiteren Verlauf Ihrer Karriere zurückgreifen können.
Vernachlässigen Sie auch nicht das Fleisch und Gemüse des Charakterdesigns. Die Turnarounds, Ausdrucksbögen und alle anderen technischen Dinge sind wichtige Fähigkeiten, die Sie als Charakterdesigner entwickeln müssen. Ein Teil der Aufgabe des Charakterdesigners besteht darin, mit technischen Einschränkungen und einer Produktionspipeline für einen bestimmten Zweck zu erstellen und zu entwerfen.
Zu guter Letzt: Geben Sie nicht auf! Lassen Sie sich durch harte Arbeit, Umwege oder KI nicht davon abhalten, Charakterdesigner zu werden. Beim Charakterdesign geht es um mehr als nur darum, etwas zu erschaffen, das hübsch oder cool aussieht. Es geht ums Geschichtenerzählen, es geht darum, ein kleines Stück deiner Seele in eine Zeichnung zu stecken und einzubringen es zum Leben zu erwecken und das Herz und den Verstand eines kleinen Kindes zu berühren, das irgendwo am Samstagmorgen zuschaut FERNSEHER.
Achten Sie darauf, was der Autor verlangt! Lesen Sie unbedingt auch das Buch oder die Geschichte, die Sie illustrieren, da es Ihnen hilft, sich die Charaktere und ihre Welt vorzustellen.
Viel Spaß mit den Charakterdesigns! Bei der Arbeit an einer Illustration unterliegen Sie weitaus weniger technischen Einschränkungen, also nutzen Sie diese Freiheit optimal aus.
Passen Sie den Stil immer an die Zielgruppe an. Denken Sie an die Geschichte und die Welt der Charaktere und versuchen Sie, diese in alles, was Sie zeichnen, einfließen zu lassen.
Auch wenn sich Ihre Charaktere nicht bewegen, müssen sie das Gefühl haben, dass sie auftreten. Versuchen Sie, sie mitten in einer Aktion einzufangen oder sie vorherzusehen!
Illustration erfordert immer noch die gleichen Fähigkeiten im Charakterdesign wie jedes andere Medium. Denken Sie an die Grundlagen eines guten Designs, wie z. B. das Spielen mit Kontrasten oder die Verwendung ansprechender Formen.
Dom Carter ist ein freiberuflicher Autor, der sich auf Kunst und Design spezialisiert hat. Früher war er Mitarbeiter von Creative Bloq, seine Arbeiten sind auch bei Creative Boom und auf den Seiten von ImagineFX, Computer Arts, 3D World und .net erschienen. Er war Juror bei D&AD New Blood und hat ein besonderes Interesse an Bilderbüchern.
