Rencontrez l'artiste: Kenneth Anderson

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Artistes préférés Bill Watterson, Nick Park
Logiciels et médias Crayons Photoshop, Procreate, Col-Erase
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Je travaille comme artiste depuis 2005 environ et je viens de réaliser que cela fait presque 20 ans. Je n'avais pas réalisé que ça faisait si longtemps! J'ai toujours su que je voulais dessiner pour gagner ma vie et travailler dans l'animation d'une manière ou d'une autre, alors j'ai étudié l'animation à l'université de Dundee, en Écosse. J'ai eu la chance de commencer à travailler assez rapidement après avoir obtenu mon diplôme, mais mon premier emploi était en tant qu'artiste 2D junior dans une société de jeux locale.

Je n’avais jamais envisagé de travailler dans des jeux auparavant, mais c’était tout à fait logique. J'étais obsédé par les jeux vidéo axés sur les personnages tels que Monkey Island et Day of the Tentacle quand j'étais jeune !

Jusqu’à présent, ma carrière a été assez variée. J'ai tendance à suivre le courant et à voir ce qui se passe, en lui donnant de temps en temps de petits coups de pouce dans certaines directions. J’ai travaillé dans le jeu vidéo, j’ai travaillé comme animateur au début de ma carrière, je conçois des personnages en freelance depuis 2009 et, plus récemment, je fais beaucoup plus d’illustration. J'aime que ce soit varié! Mais en même temps, tout ce que je fais est très axé sur les personnages.

En grandissant, je dessinais constamment toutes sortes de personnages étranges. Je me souviens qu'au lycée, j'avais écrit cette chanson stupide, je l'avais enregistrée, je l'avais gravée sur un CD, puis j'avais créé un personnage en tant que chanteur pour la pochette. Je l'ai appelé Jimmy Sausage; il était essentiellement un croisement entre une saucisse et Jimi Hendrix – je traversais une phase de nourriture en tant que personnage à ce moment-là – et ce fut un grand succès auprès d'un de mes amis. Je pense que ma carrière actuelle en tant que créateur de personnages est née de cette envie de créer des personnages idiots et de leur donner vie.

Cependant, je n’avais pas réalisé que je pouvais réellement dessiner des personnages pour gagner ma vie jusqu’à ce que je découvre le travail de Stephen Silver. Réaliser qu'il y avait des artistes dont le travail consistait à concevoir des personnages a été une révélation pour moi. Avant cela, je n’avais pas de spécialisation spécifique en tête, mais dès que j’ai réalisé que devenir un créateur de personnages professionnel était une option, tout a pris un sens.

Le rôle des enfants à la télévision est arrivé un peu par hasard, je ne l’ai pas vraiment poursuivi du tout. Mais je pense que mon style convient bien à ce médium, donc ces clients se sont tournés vers moi, et avant que je m'en rende compte, la majeure partie de mon travail venait de ce monde!

Je dois remercier Dan Bays pour cela. Il développait Bitz & Bob à la BBC à l'époque et m'a contacté pour développer des personnages. C’est devenu mon premier véritable travail de conception de personnages pour la télévision pour enfants, puis les choses ont fait boule de neige à partir de là. Merci Dan!

Il y a des choses évidentes qu’on ne peut pas faire avec des personnages destinés à un public plus jeune: rien de sexualisé, ne pas fumer ni boire, éviter les armes et autres, bien que cela dépende de l'âge du public. Avec la conception pour adultes, à peu près tout est permis, je suppose, dans des limites raisonnables.

D'un point de vue purement design, le public plus jeune répondra généralement mieux à certains choix de conception; des personnages plus mignons, plus doux, plus colorés par exemple, avec des têtes plus grosses. Ils semblent être la voie à suivre! Fondamentalement, je pense que plus le public est jeune, plus vous pouvez styliser vos créations; presque dans la pure abstraction. Presque mais pas tout à fait.

En ce qui concerne les adultes, en règle générale, on souhaite concevoir des personnages plus réalistes, avec des proportions plus naturelles, bien qu'ils puissent toujours être stylisés. Mais cela dépend vraiment de la nature de l’histoire racontée. Et bien sûr, vous pouvez renverser le style du jeune public et l’adapter à un public adulte, généralement pour un effet comique. Des émissions telles que Happy Tree Friends et South Park le font bien.

Mais d’un point de vue personnel, je pense que je puise dans différentes parties de mon psychisme en fonction de la nature du travail. Si je conçois pour les enfants, je canalise définitivement mon enfant intérieur, je me souviens de mon enfance, des choses que je faisais quand j'étais enfant, des choses qui me rendaient heureux et j'intègre tout cela dans mon travail. Si jamais je conçois des trucs pour adultes et que je me lance dans un travail personnel qui a des thèmes plus sombres et l'énergie, alors j'exploite les expériences différentes et plus sombres de ma vie, et la façon dont je dessine refléter cela.

C'est marrant! Chris Smith, l'auteur, est formidable dans le sens où il a toujours une idée claire de ce à quoi il imagine ses personnages. Ensuite, c'est à moi d'essayer de représenter cela sur la page tout en y donnant ma propre touche.

Ce que j’aime, c’est qu’un auteur semble surtout investi dans la recherche du personnage d’un point de vue narratif, il y a quelque chose de pur là-dedans. Alors que dans l’animation, on entend souvent cette voix qui dit: « Ce personnage peut-il devenir un personnage grand public? jouet?" Alors oui, en général, il y a moins de restrictions ou de voix à satisfaire lors de la conception d'un livre. personnage. Il peut y avoir un peu de va-et-vient lorsqu’on essaie de trouver le bon design, mais pas autant que dans l’animation.

De plus, c’est une liberté de ne pas avoir à se soucier des contraintes techniques lors de la conception d’un livre. Il n’y a pas lieu de s’inquiéter de savoir si le personnage est animable ou du temps qu’il faudra à un design pour modéliser l’installation et le rendu, c’est donc vraiment très rafraîchissant en ce sens.

En gros, l’année dernière, j’ai posté environ cinq fois ou quelque chose du genre. J'ai l'air d'être un homme extrême. Alors cette année, j’ai dit: « Bien, je vais en publier davantage! » Je savais que si j’avais pour objectif de faire un dessin chaque semaine environ, j’oublierais, je perdrais le fil et j’échouerais. Alors j’ai tout mis en œuvre et je me suis engagé à faire un dessin par jour, donc c’est moins facile d’oublier.

Je voulais vraiment dessiner quelque chose tous les jours juste pour moi et pour personne d'autre; aucun client ne me donne de commentaires ou ne demande de modifications. Mon dessin, mes règles. Il est important d’avoir un exutoire créatif en dehors du travail et de dessiner simplement pour le plaisir.

En faisant cela, j’ai appris à lâcher prise et à ne pas être perfectionniste. Je sais que je ne publie pas mon meilleur travail tous les jours. Certains jours, je n'ai que 30 secondes de libre pour dessiner quelque chose. Mais j’ai réalisé que je devais me libérer de la pression pour toujours faire du grand art. Je préfère de loin dessiner quelque chose que rien! C’est aussi un excellent moyen d’expérimenter et d’essayer de synthétiser de nouveaux styles dans mon travail. Et je pense qu’en dessinant tous les jours, j’ai aussi commencé à améliorer mon travail de petites manières.

Chaque fois que je fais défiler Instagram, je vois un personnage qui me fait penser cela, parmi tant d'artistes différents! Les personnages de James Woods ont généralement cet effet sur moi.

J'adore certains des dessins de dragon de Comment dresser votre dragon, en particulier le Bewilderbeast. Je suis fan du travail de Nico Marlet. Et j'aime aussi le design de Gromit de Wallace et Gromit. Il est si simple mais pourtant si attachant, adorable et plein de vie.

De plus, il existe sur le Web une œuvre d'art conceptuelle du pirate fantôme LeChuck de Monkey Island que j'adore. Je ne pense pas que le concept se traduise exactement dans les jeux vidéo, mais c'est tellement cool; les formes, les proportions, l'oiseau mort renversé qui servait de plumage à son chapeau de pirate. LeChuck est la raison pour laquelle je dessine autant de zombies pirates.

Eh bien, il n’y a jamais eu autant d’opportunités de concevoir des personnages pour gagner sa vie qu’aujourd’hui. Cela dit, je pense qu’il est important d’avoir un ensemble de compétences diversifiées, car mon travail n’est pas uniquement axé sur la conception de personnages. Je fais de l'illustration, de la conception d'accessoires, des bandes dessinées, tout ce dont j'ai besoin pour payer les factures.

Je vous recommande donc de développer vos compétences, surtout au début de votre carrière. Préparez-vous à une tâche longue et difficile et commencez par ne pas faire le travail de vos rêves. Tout est un tremplin et vous donnera l’expérience sur laquelle vous pourrez vous appuyer tout au long de votre carrière.

Ne négligez pas non plus la viande et les légumes de la conception des personnages. Les retournements de situation, les feuilles d'expression et tout le reste des éléments techniques sont des compétences importantes que vous devez développer en tant que concepteur de personnages. Une partie du travail du concepteur de personnages consiste à créer et à concevoir dans un but spécifique avec des contraintes techniques et un pipeline de production.

Enfin, n'abandonnez pas! Ne laissez pas le travail acharné, les délais d'exécution ou l'IA vous empêcher de devenir un créateur de personnages. La conception de personnages ne se limite pas à créer quelque chose de joli ou de cool. Il s’agit de raconter une histoire, de mettre un petit morceau de son âme dans un dessin et d’apporter donner vie, et toucher le cœur et l'esprit d'un petit enfant quelque part qui regarde samedi matin LA TÉLÉ.

Dom Carter est un écrivain indépendant spécialisé dans l'art et le design. Ancien rédacteur pour Creative Bloq, son travail est également apparu sur Creative Boom et dans les pages d'ImagineFX, Computer Arts, 3D World et .net. Il a été juge de D&AD New Blood et s'intéresse particulièrement aux livres d'images.